Llegado el final de la asignatura os deseo tanto a la profe Bárbara Abad como a tod+s l+s compaler+s un feliz verano. Ha sido un placer compartir este espacio de formación con tod+s y la asignatura me ha marcado y encantado sus contenidos.
Os comparto también mi dossier de la práctica.
Un placer y nos vemos en la vida (y posiblemente en más asignaturas)
Se ha optado por la elaboración de un bodegón, emulando a los artistas cásicos, pero que va más allá de una composición de frutas y hortalizas en el espacio, intentando ser además una alegoría del pecado original y extrapolándolo a nuestra sociedad actual y cómo el impulso capitalista nos hace esclavos del consumismo. De ahí que encontremos dos manos que sostienen o quieren alcanzar la manzana, lo anhelado, lo prohibido, el consumo desmedido y atadas, porque están una lucha entre conseguirlo y no. La obra se titula “Pecado original”.
Los bocetos con los diferentes grados de iconicidad son los siguientes:
El resultado de la práctica es el siguiente:
Por último os dejo el dossier con todo el proceso de trabajo.
Entre unas cosas y otras he ido dejando pasar los días y no os he compartido mi proyecto de acrílico. Aprovechando el final de la asignatura subo el dossier de la PEC4 y la práctica.
Aunque estemos sumergidos/as (casi acabando la PEC 3) os adjunto la imagen de la obra de Juan Gris «Le Canigou» seleccionada para el estudio del color y la realización de su correspondiente inventario, inventario proporcional y referencias RGB.
PALETA DE COLOR DE LA OBRA
INVENTARIO DE COLOR PROPORCIONAL
PORCENTAJES DE COLOR
REFERENCIAS RGB
Por otra parte, os adjunto la adaptación de dicho inventario de color con técnicas sustractivas, la realización de un dibujo libre con ella y el cambio de paleta cromática.
PALETAS UTILIZADAS
Igualmente os comparto el dossier de la práctica completa.
El ser humano a lo largo de los tiempos ha intentado representar la realidad que le rodea y para ello se ha servido del dibujo y del color, supeditados éstos a las normas (religiosas o científicas) de cada época, como podemos observar en las obras pictóricas que han llegado hasta nosotros/as. Qué duda cabe, además, que estas herramientas se conviertan en un medio o mecanismo que permite al autor expresarse en función de aquello que quiere representar y cómo quiere hacerlo.
Por ese motivo resulta interesante realizar un barrido histórico de lo que comentamos a través de tres obras: Un domingo por la tarde en la Grand Jatte, G. Seurat (1884), El grito, E. Munch (1893) y Velada snob en casa de la Princesa, J.Miró (1946).
Un domingo por la tarde en la Grand Jatte, G. Seurat (1884)
El impresionismo supone una ruptura con el Renacimiento en tanto en cuento intenta representar la realidad tal y como el ojo lo ve, sin embargo, siguen estando muy presentes los dictámenes y normas de las academias de bellas artes. A partir del postimpresionismo o neoimpresionismo se producirá un punto de inflexión ante las mismas. Etapa a la que corresponde la obra que nos ocupa.
A nivel de estilo, y hablando en términos de generalidades, se caracterizan por el uso de colores vivos, pinceladas rápidas y temática propia de la vida real.
Esta obra que narra una secuencia de una tarde de paseo a orillas del Sena tardó en ser pintada alrededor de 3 años, ya que Seurat se centró en el paisaje del parque, haciendo y rehaciéndolo en varias ocasiones. Como podemos observar presta un especial cuidado en la elaboración de las figuras y el uso de la luz y el color, para ello utiliza la técnica del puntillismo con pinceladas rápidas que parte del estudio de la teoría del color, de tal modo se unifican dichos puntos a vista del observador.
Utiliza colores brillantes con tonos amarillos para las zonas iluminadas en combinación con naranjas y azules, para oscurecer la obra con marrones. Además, es interesante destacar que empleó el nuevo pigmento “amarillo de zinc”. La gama cromática tiende a los colores fríos (azules y verdes) que se compensan con los cálidos (amarillo y naranja) en las zonas de luz.
Los colores primarios utilizados amarillo y cian se complementan con sus análogos formando parte del paisaje, de tal modo, se da una sensación de unidad a la imagen y quietud, que lo acrecentan los tonos fríos. Los colores complementarios como el naranja, violeta y rojo (de azul, amarillo y verde respectivamente) se entremenzclan en las figuras del paisaje para darles notoriedad y hacer que resalten.
Respecto a la composición, podemos decir que es asimétrica, ya que sitúa a los elementos de forma desigual si trazamos un eje imaginario que lo divide en dos, pero sin perder unidad, dando de este modo sensación de calma, tal y como lo hace con el uso del coloro.
El grito, E. Munch (1893)
Quizás Munch sea la figura más representativa del expresionismo, paso posterior al impresionismo, ya que, si bien se pretendía por parte de estos captar las impresiones de la vida cotidiana, ahora se centran en algo más subjetivo como son las expresiones y los sentimientos. Para ello el uso del color será completamente determinante y tendrán claras influencias de sus predecesores.
En este caso, la archiconocida obra es el título de cuatro cuadros y cuya versión más famosa se encuentra en la Galería Nacional de Noruega (pintada en 1893), siendo una de ellas parte de una colección particular. Además, esta obra ha sido objeto de varios tonos de gran repercusión mediática a nivel mundial.
Las cuatro versiones de las que hablamos muestran una figura con apariencia andrógina en un primer plano que expresa una sensación de ansiedad o angustia en medio de un paisaje, de ahí que no sólo se represente mediante el dibujo en sí si no el uso de colores cálidos de fondo, luz semioscura. Los todos fríos se pierden en el punto de fuga para darle más intensidad.
En esta obra predomina el color azul (primario) y su complementario naranja. La situación de estos tonos resulta vital en la obra. Los tonos cálidos en el cielo, no hacen otra cosa que transmitir la angustia del sujeto principal, y serán los tonos fríos como el azul los que la enmarquen. Los colores análogos tanto del azul como del naranja, se mezclan con estos para incidir en las sensaciones que quiere expresar el artista, como podemos observar en el cielo.
La composición acentúa esa sensación por el primer plano y la aparición difusa de las dos figuras con sombrero al fondo y el cielo arremolinado.
La pincelada es violenta y la utilización de planos bidimensionales redundan en este sentido.
Velada snob en casa de la Princesa, J.Miró (1946)
Las vanguardias suponen un hito más en la historia del arte, y como en otras épocas una verdadera ruptura con etapas anteriores, innovando en el sentido de entender el arte, la manera de expresarse plásticamente y la forma de expresarlo. Dentro de las vanguardias distinguimos dos momentos: la etapa formalista y el dadaísmo o surrealismo.
La obra que vamos a analizar se encuentra situada dentro de esta etapa surrealista.
J. Miró es un prolífico artista catalán que destaca internacionalmente por su cerámica, pintura y escultura.
Velada snob en casa de la Princesa se trata de un cuadro de tinta china y gouache pintado sobre papel y que podemos visitar ene l Museo Guggenheim de Bilbao.
Podemos apreciar el personalísimo y característico estilo del autor y su uso de formas orgánicas que rompen con la geometría a través de figuras abstractas y el uso de colores brillantes y líneas curvas. Su obra está además cargada de un alto simbolismo y sentido del misterio que está encontraste del uso de colores primarios, siempre acompañado de algún complementario como el naranja o el verde para equilibrar la composición. Esta obra tiene el color gris verdoso como fondo, que hará que el propio dibujo resaltado por el negro, el azul y amarillo tengan toda la atención del espectador.
A pesar de la abstracción en el dibujo de las figuras y el uso de colores planos, la composición se encuentra perfectamente equilibrada, ya que reparte el peso de la obra en dos mitades (si la dividimos en un eje imaginario) con igual importancia en dibujo y color.
En el proceso de estudio de color a partir del círculo cromático utilizaremos los siguientes materiales:
Papel Canson A3 de 300gr.
Lápiz HB y goma de borrar.
Regla y trasportador de ángulos.
Compás.
Plantillas proporcionadas en la asignatura.
Gouache marca «Talents» colores primarios: cian +++ 501, magenta +++ 397 y amarillo ++ 205, blanco +++ 100 y negro +++ 703.
Pinceles planos.
Paleta de mezcla.
Primero de todo, comenzamos dibujando el círculo con las proporciones dadas, siguiendo las plantillas que se nos han aportado como material adicional en el aula.
Tras dibujar el círculo cromático con todas las porciones, pasamos a colocar en el mismo los colores primarios (cian, magenta y amarillo)
Posteriormente sacamos los colores secundarios mezclando entre sí los primarios:
violeta
verde
naranja
En el caso de los colores terciarios, los obtendremos mezclando un color primario y un color secundario adyacente:
rojo naranja o rojo anaranjado o bermellón.
amarillo naranja o amarillo anaranjado o ámbar.
verde amarillo o amarillo verdoso o lima o cartujo.
azul verde o azul verdoso o cerceta o azul turquesa.
azul violeta o azul violáceo o violeta.
rojo violeta o rojo violáceo o grana
Posteriormente, se procederá al estudio del color en dicho círculo cromático con la escala de valor, ubicando el blanco en el centro y en negro en en el borde exterior.
Buenos días a tod+s, aprovecho además para felicitarlos el nuevo año.
Respecto a esta práctica, supongo que, como la mayoría, me ha costado aterrizar. Después de darme por un paseo por el material de referencia y los autores que se proponen he decidido decantarme por la OPCIÓN A. PROYECTO DE DIBUJO EXPANDIDO.
La OPCIÓN B, me atrae muchísimo sobre todo por el sentido crítico que tenemos que desarrollar, y sobe todo, la intervención gráfica de carácter crítico, la que sigo u de cerca en redes sociales, por eso mismo, he decidido salir de la zona de confort a la hora de utilizar los soportes y materiales y centrarme en la exploración artística.
¿Cómo? Con un proyecto que vamos a llamar “El alma del libro”. Para ello adquirimos un libro de novela cualquiera y a partir de materiales como hojas naturales, hilos, pintura, cartón y papeles de diferente tipo el libro dejará de ser libro para pasar a ser lienzo, además se tratará de transmitir la esencia de la historia que trata en sus páginas. Partiendo de materiales pictóricos diversos y materiales de uso común, así como aquellos que se utilizan en los libros pop up infantiles, con la intención de que quede lo más intacto posible por fuera el libro y que al abrirse (aún no sé si que sólo sea por la mitad o en varias partes, ese aspecto lo tengo que acabar de definir) se vea el mensaje que queremos trasmitir, pero que por fuera siga manteniendo u aspecto original.
Es más, incluso se puede aunar con la intervención del espacio dejándolo en alguna biblioteca en busca de un nuevo dueñ+.
Os dejo con algunas de las ideas que he encontrado que se asemejan a lo que quiero presentar:
Para la poesía visual se ha partido de la palabra precipicio impresa con una tipografía que emula a las máquinas de escribir antiguas. La propia palabra y jugando con el espaciado de las misas y la posición en el folio nos hace entender el significado que representa el significante en sí. No obstante, como en el enunciado aconsejaba que se recurriera al collage, décollage y dibujo se ha decidido complementar el trabajo con un dibujo alegórico del simbolismo que representa. Para mi gusto es un artificio que puede resultar innecesario y la propia tipografía capta el mensaje a la perfección. Se ha coloreado las letras P como si fueran árboles en ese acantilado.
Los materiales empleados han sido: block de dibujo papel A4 de 100grs, lápiz H, goma de borrar, lápices de colores Castle y A4 impreso con impresora HP Envy Serie 500.
En la viñeta que presentamos queremos denunciar la obviedad de muchas noticias que nos ofrecen los medios de comunicación y cómo nos dejamos llevar, así como que el tiempo, ese gran recurso, hace que “nunca llueva a gusto de todos”
Los materiales utilizados son: block de dibujo A4 folio de 100 grs. Lápiz Hb, goma de borrar y lápices de colores Castle.
Por último, dentro de este apartado se nos pide que realicemos un relatorama, en este caso, he elegido hacerlo de un artista, Banksy. Autor anónimo, artista, grafitero, polémico que su obra no deja indiferente a nadie.
Tal u como se comentó en el apartado anterior, proceso de trabajo, este tipo de recurso me parece un material con un alto potencial pedagógico, ya que simplifica conceptos y nos proporciona de elementos que nuestro cerebro asimila a la perfección.
La principal dificultad es la cantidad de datos a plasmar para que no se produzca el efecto contrario y sintetice los elementos que queremos transmitir.
Los materiales empleados son: block de dibujo A4, lápiz HB, goma de borrar y rotuladores Stabylo.
Aprovecho para felicitaros las fiestas y, con un poco de retraso paso os muestro las actividades correspondientes a a PEC 2 en sus diferentes entregas.
En la primera entrega del PEC2, a la hora de realizar este trabajo me ha supuesto la ruptura con el bloqueo mental que me impedía reinterpretar la realidad cotidiana, de forma paradójica, ya que, en multitud de ocasiones a lo largo de mi vida, ha habido pareidolias que han tenido significado tanto en objeto, como en manchas de las vetas del suelo… sin embargo, el quizá tener que encontrar tres significados a un mismo objeto ha tenido unas connotaciones limitantes. No obstante, ese bloque ha sido superado, reinterpretando un gupillón de una máscara de pestañas.
Si bien es un objeto algo rebuscado, la ruptura con ese bloqueo me la dio el propio objeto por la curvatura que tiene, recordándome a la pierna de una bailarina. Una vez realizado este boceto, los demás vinieron a mi mente rápidamente, para transformarse así en una escoba de bruja y en una planta.
Los materiales utilizados han sido block de dibujo A4, lápiz HB, goma de borrar, rotuladores BIC punta media y rottring Micron punta XS.
La propuesta de imagen que realizaba era un conjunto de pinzas de madrea para la ropa y la que he cogido por parte de las propuestas por los compañeros es la de dos fussillis. Mirando ambas imágenes no encontraba muy bien la relación o no relación que podría proponer entre ambas, de hecho, estuve tentada a cambiar. Mientras las observaba noté que la paleta de color de todos los elementos era la misma, por lo que la mezcla de las imágenes pasaba por un plato de pasta. Quizás muy evidente, pero la imagen quiere expresar que muchas veces no sabemos lo que comemos, ya sea por su composición o por las propias modas que nos imponen determinados tipos de cocina.
Materiales: el trabajo se ha realizado de forma digital con una Samsung Galaxy Tab S6 y el programa PicsArt, que me ha ayudado a eliminar los fondos de las imágenes y transformarlas en PNG. Posteriormente se ha pasado a combinarlas multiplicándolas repetidas veces para añadirles los stickers del plato y la salsa.
Esta ocasión se nos pide que modifiquemos con técnica libre una imagen que nos evoque un recuerdo. Yo he cogido una de mu hija de un año de “esas primeras veces” en concreto en la piscina el verano pasado, y como si se tratara de una foto de un libro de texto le he modificado su composición volviéndola, no un bebé de meses, sino una graffitera. Esta actividad me ha resultado muy entretenida, si bien es cierto, que no sabía muy bien que imagen elegir, pero he optado por una foto de mi pequeña, ya que todos los meses me gusta ir haciéndole una “foto artística oficial” así que en esta ocasión, le damos una vuelta de tuerca más.
Los materiales utilizados son block de dibujo A4, folio blanco, impresora HP serie Envy 500, lápiz HB, goma de borrar y rotuladores POSCA.
La segunda parte de este apartado consiste en la expresión y significado del movimiento a través de diferentes técnicas y con distintos trazos para dotar de emoción a la imagen, partiendo de un animal, un objeto y un abstracto.
Para la imagen del animal se ha procedido a elegir una serpiente, odiada y amada a partes iguales, y qué duda cabe que no deja indiferente la sinuosidad de sus movimientos, por eso, se ha querido mostrar su movimiento plasmando su recorrido en la arena.
La principal dificultad era la forma de reflejar inmóvil la serpiente para destacar el movimiento, por lo que creo que es muy mejorable la forma en la que se encuentra enroscada. Además, ese movimiento en la arena nos recuerda a las típicas imágenes de películas, en las que se refleja lo solitario que son los desiertos, de ahí la paleta empelada.
Los materiales utilizados son block de dibujo A4, lápiz HB, goma de borrar y lápices de colores Castle.
El objeto seleccionado ha sido una bala, y se ha recurrido a técnicas tipo cómic, ya que quizás son las que dotan con líneas ágiles en las que no hace falta muchas veces ni el texto escrito, de gran signifiativividad.
La principal dificultad encontrada es que el tipo de papel no es demasiado apto para los rotuladores por ser muy poroso, por lo que el acabado del color podría mejorarse.
Los materiales empleados son: block de dibujo A4, lápiz HB, goma de borrar y rotuladores POSCA.
Como tercer boceto, trabajando el movimiento a través de la abstracción se ha optado por la tinta, material que personalmente me encanta por su acabado y versatilidad. Se ha querido plasmar la velocidad de la lluvia, teniendo en cuenta que nos acompaña desde hace días y cómo se abre camino por sitios insospechados. Para ello la tinta se ha acompañado de agua y de lejía, que degrada el papel y trasforma los colores.
La dificultad reside en una de sus bondades y es que estos elementos y dejándolos fluir por su carácter orgánico hace que queden imágenes muy vistosas o por el contrario poco estéticas.
Los materiales utilizados son: block de dibujo A4, tinta Windsor&Newtown negra, agua y lejía.
Pública 
Este es un espacio de trabajo personal de un/a estudiante de la Universitat Oberta de Catalunya. Cualquier contenido publicado en este espacio es responsabilidad de su autor/a.